Bilder schauen einen fragend an, Skulpturen schauen Bilder an. 

Die Idee zur aktuellen Ausstellung kam bei der Beschäftigung mit den Werken von Roy Mordechay* und Frans Roermond**. Beide Künstler verbindet, dass sie sich mit Bildwerken außerhalb ihrer direkten Reichweite beschäftigen. Bei Mordechay sind es die Kunstgegenstände der Antike, in und mit denen sich sein Heimatland Israel geschichtlich verankert, und bei Roermond die aufgeladenen Kultfiguren aus Melanesien, die er lange studiert hat. Zentral ist die Beschäftigung mit der Kulturgeschichte des Menschen, mit Wurzeln unserer ästhetischen und schöpferischen Fähigkeiten und den entsprechenden Lebenswelten.

Mordechays Aquarelle sind eindringlich, die abgebildeten Köpfe und Gesichter verselbstständigen sich zu verdichteten Erscheinungen, die intensiv und emotional sind. Sie sind dunkel, ohne düster zu sein, und ziehen die Betrachtenden fast magisch an. Insofern korrespondieren sie sehr gut mit den Gemälden von Frans Roermond, die überwiegend 2014 entstanden sind und eine Phase abschließen, in der er sich mit der Außergeschichtlichkeit der Kulturen in Papua Neuguinea beschäftigt hat: Masken als kultische Objekte, ein Männerhaus als Ort des Schutzes, eine Wasserfontäne als Axis Mundi. 

All dies wird aufgeladen von der Anwesenheit afrikanischer und ozeanischer Skulpturen mit ihrem geheimnisvollen Innenleben. In dem Maße, wie man sich ihnen annähert, geben sie ihr Innenleben preis. Zumindest aber geht von ihnen eine spürbare Konzentration und Ausstrahlung aus, so dass der gesamte Raum in Schwingungen versetzt wird. 

Wir danken den Sammlern Dr. Hartmut und Dr. Maria Kraft und Susanne Hortig und Reinhold Buckenmayer für Ihre Leihgaben.

• *Roy Mordechay (geb. 1976 in Haifa, Israel) studierte von 1999 bis 2002 am Avni Institut of Art and Design in Tel Aviv. Er erhielt zahlreiche Stipendien, Preise und Förderungen u.a. den Israel Young Artist Prize, Ministry of Culture, den Israel Lottery Council for Culture and Art, sowie  2014 das Stipendium der Lepsien Art Foundation, wodurch er nach Düsseldorf kam, wo er heute lebt und arbeitet.

** Frans Roermond (geb. 1967 als Franz van der Grinten) beschäftigte sich nach einem abgebrochenen Kunststudium an der HdK Berlin und einer Lehre als Tierpräparator kontinuierlich mit Super8-Filmen, Fotografie, Zeichnung und Malerei durch Projekte, Einzelausstellungen und solche mit Künstlerfreunden. Dies führte 1997 zur Gründung eines Projektraums in der Ewaldistraße in Köln. Dieser sollte sich zur aktuellen Van der Grinten Galerie entwickeln. Erst ab 2014 setzte van der Grinten seine künstlerische Arbeit unter dem Namen Frans Roermond fort.

Inmitten der zahllosen Fragestellungen, die die Tradition der Moderne permanent aufwirft, bleibt eine grundlegende Frage: Was ist im Grunde ein Bild und was sind Künstlerin und Künstler? In einer frühen Phase der Modernen Kunst, als der Symbolismus sich durchsetzte, herrschte die Idee vor, dass der Gegenstand eines Gemäldes, ähnlich dem Gedicht, das Wesen der Dinge, der Welt sein müsse. Ihr Abbild. Etwas, dessen Wert und Bedeutung in seiner Unvergesslichkeit liegt, in seiner Ausstrahlung, seiner Sichtbarmachung von Empfindungen, die in der Vorstellung des Betrachters zusammenkommen und etwas Denkbares erzeugen, das jenseits seiner eigenen physischen Natur sein kann. Nicht nur ein Objekt, nein: ein Ebenbild.

Diese Art Idealismus provozierte ihre dialektische Erwiderung bei den Realisten, die es gerade als positiv ansahen, dass ein Gemälde viel weniger Ebenbild oder Idee sei als vielmehr ein Objekt. Realisten interessierten sich für den Gegenstand, nicht für seine Wesenhaftigkeit.

Selbst wenn es sich um kubistische oder sogar abstrakte Malereien handelte, wurden sie als konkrete Entitäten in einer Welt von und aus Dingen angesehen. Ein Problem für die Kunst des 20. Jahrhunderts wurde offensichtlich. In der Vergangenheit hatte man es als gegeben angesehen, dass Vergleichbarkeit die grundlegende Art der Wahrnehmung von Kunst sei. Aber in dem Maße, wie die Erkennbarkeit sich von der reinen Vergleichbarkeit löste, geriet die Malerei in die Situation, sich genötigt zu sehen, stattdessen Erinnerung und Empfindsamkeit zu bemühen. Ein paar Pinselstriche und voilà: Ein Bündel Spargel. Nicht realer Spargel, sondern eine Analogie dafür. Mit zunehmender Freiheit, aber auch, wenn Malerei irgendwie eins unter vielen Dingen wird, wird als direkte Folge daraus das zu Grunde liegende System der Analogien zunehmend hinterfragt. Und das wiederum provoziert beim Betrachter schließlich den Wunsch nach Rückführung, Reinigung oder Berichtigung. Wie ein gegenläufiger Pendelschlag. Alle bleiben gefangen in diesem Paradoxon.

Die vier aktuell in “Vor und hinter den Figuren” vorgestellten Maler sind sehr bewusst für eine dialogische Ausstellung im Spannungsfeld genuiner Malerei ausgewählt worden. Sie scheinen sich deutlich innerhalb der hier beschriebenen Entwicklungsgeschichte zu positionieren, und sie haben eine jeweils ganz eigene Sprache hierfür entwickelt. Es sind also Positionen, die die gegenständliche Malerei in erster Linie als Malerei ernst nehmen. Nicht nur in ihren gestalterischen Möglichkeiten, sondern auch in ihren herausfordernden Bedingungen, die ja ständig neu befragt werden. 

In Lorenzo Pompas Malerei ist die vielleicht stärkste Verwandtschaft zu Philip Guston zu spüren, der so etwas wie ein Ahnherr für diese genuine Malerei ist. Pompas Figuren sind auf wesentliche, aber komplexe Elemente körperlicher Erscheinung reduziert und gleichzeitig voller Ausdruck menschlicher Gefühle.

Auch in der Malerei von Roy Mordechay leuchten Elemente auf, die man bei Guston als so typisch empfindet: Segmentieren und Fragmentieren von Körperteilen und Rückbesinnung auf malerische Entdeckungen vergangener Epochen: bei Mordechay u.a. die Antike in Judäa. Frans Roermonds Malerei ist vielleicht am stärksten enigmatisch, merkwürdig zeitlos in ihrer ständigen Verschränkung von gegenständlich und abstrakt. Bei Matthias Röhrborn schließlich ist der Knall zwischen meisterhafter Beherrschung der Mittel und subversiver Aufbrechung am stärksten.

Es geht, bei aller individuellen Unterschiedlichkeit, bei jedem von ihnen um die Darstellung des Menschen, ob als Figur oder hinter ihr, mit uns im Vordergrund oder abwesend.

Malerei kann eben einfach nicht aufhören und auch nicht einfach aufhören.

Lorenzo Pompa (*1962) wuchs in Rom auf und studierte dort zunächst Innenraumgestaltung und Architektur und mit dem Umzug nach Deutschland anschließend von 1996 bis 2003 Malerei an der Düsseldorfer Akademie bei Georg Herold. Er lebt und arbeitet in Düsseldorf. Frans Roermond (*1967) studierte Malerei in London, Berlin und New York, wo er seit 2017 nach langen Auslandsaufenthalten wieder lebt und arbeitet. Matthias Röhrborn (*1968) studierte von 1989 bis 1996 an der UdK Berlin. Er lebt dort und in Brandenburg. Roy Mordechay (*1976) ist in Haifa geboren und studierte von 1999 bis 2002 am Avni Institut of Art and Design in Tel Aviv. Er lebt und arbeitet zur Zeit in Düsseldorf.