In tiefen Rahmen und hinter einer farbig changierenden, spiegelnden Glasscheibe sind die Reliefs der jüngsten Serie von Wolfgang Flad zunächst kaum erkennbar. Doch wenn man sich vor dem Werk hin und her bewegt und versucht zu erkennen, was sich hinter der Scheibe verbirgt, offenbart sich die fremdartige und kostbar erscheinende Oberfläche.

Von dynamischen Einschlägen und unterschiedlich tiefen Kratern gesprengt könnten diese massiv wirkenden, mittel- & großformatigen Wandarbeiten aus den Untiefen des Meeresraums oder von einem anderen Planeten stammen. Es kommt und geht, vibriert und changiert im Zuge der farbigen Spiegelungen auf der Glasscheibe davor. So sieht man sich auch immer gleichzeitig – tritt also in die Arbeit ein.

Massive Aluminiumgüße greifen das kühne Spiel der kontrastierenden Oberflächen und der Gegensätze auf, das sehr spezifisch ist im Werk von Wolfgang Flad: Matt und glänzend, natürlich und bearbeitet, fremdartig und irgendwie vertraut, nah und fern zugleich.

Neue großformatige, biomorphe Holzskulpturen werfen ihre grazilen Kurven und verschlungenen Verästelungen in den Raum und scheinen mit der Luft in tänzerischer Einheit zu spielen. In ihrer formalen Komplexität fordern sie den Betrachter auf, sie von allen Seiten wahrzunehmen und sich ihnen in einem visuellen aber auch körperlich intensiven Austausch zu nähern.

Der Titel der neuen Werkreihe The Dark Side of the Moon beschreibt einerseits sehr anschaulich die ästhetische Erscheinung dieser Arbeiten, andererseits geht der Titel aber auch weit darüber hinaus, indem er den Begriff durchaus auch als Metapher meint. Die ästhetische Erscheinung, ihr Gesicht, ist von der kraterdurchpflügten Oberfläche des Mondes inspiriert.

Das ganze bildhauerische Werk von Wolfgang Flad schöpft sein Formenrepertoir aus den Beobachtungen von Mikro-& Makrobiologie, aus biomorphen Strukturen und Wachstumsbewegungen. Nun fließt eine außerirdische Formensprache mit ein, die uns ja erst seit der Erfindung der Fotografie bekannt ist. Und diese neuen Wandarbeiten haben sich gleichzeitig aus den Schritten seiner früheren Reliefs herausgebildet: Zunächst Einkerbungen in monochrom lackierte Holztafeln, deren Fräsung die Maserung des Schichtholzes darunter zu Tage treten lässt, dann Fräsungen in Lackoberflächen, auf denen irisierend die verschiedenen Farben ineinander laufen, was plötzlich einen atemberaubenden Bildraum schafft. Daraus schien der nächste Arbeitsentwurf nur stringent zu folgen: Oberflächen, bei denen das Material aufgerissen, verletzt ist und im Gegensatz zu den gezeichneten Fräsungen nun durch ein rohes bildhauerisches Eingreifen in das Material entsteht. So könnte man durchaus auch von dem Öffnen der dunklen, der existentiellen Seite dieser Bilder sprechen. Die Reliefe werden kombiniert mit einer farbigen und spiegelnden Glasscheibe, die das kostbare Innen abschließt und es gleichzeitig in der Farbwirkung changierend verändert. Eine Ästhetik, die man am ehesten von Hologrammen kennt.

Diese jüngsten mittel- & großformatigen Reliefarbeiten üben einen außerordentlichen Zauber aus und sind geheimnisvoll in Ihrer Machart. Durch die außergewöhnliche Kombination unterschiedlicher Materialen und ihrer Ausformung und Wirkung stehen sie durchaus in der Tradition der Wandarbeiten von Yves Klein, die in sofern eine große Bedeutung für die Nachkriegskunstgeschichte haben, als sie in der und durch die Abstraktion Resonanzkörper der Spiritualität möglich machten.

Die Van der Grinten Galerie freut sich, ihren Umzug in die neuen Räume in der Gertrudenstraße 29 bekannt zu geben. Das historische Gebäudeensemble verbindet drei Stadthäuser, deren markante Bel Étage der Galerie und den Künstlern jetzt eine Fläche von 110 qm bietet und zu einem spannenden Dialog zwischen historisch und zeitgenössisch einlädt. Durch die Lage im 1. Stock wird die Galeriearbeit, die Vermittlung junger Gegenwartskunst und historischer Positionen, die Präsentation der eigenen Buchproduktionen und Editionen und die Veranstaltungsreihen zukünftig in eine noch persönlichere Atmosphäre eingebettet, die für die Van der Grinten Galerie zum Markenzeichen geworden ist.

Zum Saisonstart und DC Open Weekend am 2. September eröffnen wir mit der Einzelausstellung unicycle in the universe… des Berliner Künstlers Wolfgang Flad.

Flad, 1974 in Reutlingen geboren, absolvierte von 2000 bis 2004 sein Studium der Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste in Stuttgart. Sein Werk ist seitdem durch zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland einer breiten Öffentlichkeit bekannt geworden. Aktuell und bis Dezember 2017 wird eine seiner bisher beeindruckendsten hängenden Skulpturen im TAMPA Museum of Art in Florida ausgestellt.

In der aktuellen Ausstellung zeigt er ebenfalls eine raumgreifende, schwebende Skulptur, die wie ein in wilder Dynamik erstarrter Wirbel biomorpher Formen wirkt. Flad setzt sich immer aufs Neue mit dem Problem auseinander, energiegeladene Bewegung statisch darzustellen und Volumen und Dichte Schwerelosigkeit zu verleihen. Die organischen Formen seiner Skulpturen entstehen durch die Konstruktion von Bauholz, das er wie eine dreidimensionale Zeichnung sich rhythmisch in den Raum verästeln lässt. Die scharfen Kanten werden geschliffen und die Knotenpunkte und Oberflächen mit Pappmaché modelliert, das er aus dem Schreddern kunsthistorischer Schriften gewinnt. So recycelt Flad das Denken und Schreiben über Kunst und verleibt es seinen Werken ein.

Die neuen Reliefarbeiten, die auch Teil der Galerieausstellung sind, fanden ihren Ausgangspunkt in einem 14-teiligen Wandfries, den der Künstler im Zusammenhang mit unserer letzten gemeinsamen Buchproduktion geschaffen hat. Hier experimentierte er zum ersten Mal mit Farbverläufen auf den lackierten Oberflächen. Entstanden sind nun Wandarbeiten, die seine ins Holz eingefrästen malerischen Gesten mit irisierenden Oberflächen kombinieren. Dadurch wirken sie verblüffend dreidimensional und räumlich tief und stellen so eine konsequente Weiterentwicklung seiner Reliefe dar.

PUBLIKATIONEN:
• Wolfgang Flad, Van der Grinten Galerie, Stefan Schuelke Fine Books, 2013
• Jean Giono/Wolfgang Flad, Der Mann der Bäume pflanzte, Van der Grinten Galerie u. Treez, Verlag Kettler 2015

Wolfgang Flads organisches Formenvokabular, das sich sowohl in Wandarbeiten als auch vollplastischen Skulpturen ausdifferenziert, ist mit Motiven des Wachstums, Wucherns und Vernetzens befasst. Ein wiederkehrendes Element sind die glatten, geometrischen Formen lackierter Podeste, die als integraler Bestandteil der Skulpturen fungieren. Auffällig ist bei seinen verschlungenen, drängend dynamisierten Gebilden, die sich zu raumgreifenden Installationen steigern können, das am menschlichen Körper orientierte große Format. Seine Arbeiten sind weder als Miniatur noch im Medium fotografischer Abbildungen zu verstehen. Ein wesentlicher Aspekt ihrer Wirkung ist eine leiblich gestimmte Konfrontation mit den Betrachtern, die sich als raumgebundenes Erlebnis vollzieht. Im Prozess der physischen Annäherung und kreisenden Umschreitung spiegeln sich nicht nur bestimmte stilistische Merkmale der Skulpturen, deren Komplexität und Größe auf eine milde Form ästhetischer Überwältigung angelegt sind. Die Auseinandersetzung mit dem Original mündet unweigerlich in Fragen nach ihrem Material und dem Vorgang ihrer Hervorbringung als ersten Schritt intellektuellen Begreifens. In diesem Punkt hält Wolfgang Flads Werk jedoch einige Überraschungen parat.

Sehr häufig entsteht etwa der Eindruck, dass die Skulpturen aus einem Block herausgeschnitten wurden. Dazu tragen unter anderem monochrome Randflächen und geometrische begrenzte Schnittkanten an den Enden der tentakelartigen Ausstrebungen bei, die die gestischen Qualitäten der Skulpturen unterbinden bzw. begrenzen. Tatsächlich sind alle Arbeiten von innen heraus konstruiert und die großen Volumina entpuppen sich als hohle Kulissenkörper. Flad baut seine Gebilde aus handelsüblichen Holzplatten und –latten, die er mit Mitteln von Winkeln und Schraubverbindungen in eine räumliche Konstellation versetzt. Im zweiten Schritt werden die Kanthölzer durch Schnitzen stängelförmig verschlankt und gerundet. Die organische Weichheit erzielt Flad jedoch vor allem mit einem darauf folgenden additiven Vorgang, der die Übergänge und Verbindungspunkte mit Pappmaché verdickt und verschleift. Abschließend erhält das Gebilde eine polychrome Fassung, in der Flads ursprüngliche Ausbildung als Maler kenntlich wird und bei der er häufig mit metallischen Effekten operiert. An einigen Stellen hält er durch partiellen Abrieb wieder die Stofflichkeit des Holzes gegenwärtig. Die farbige Fassung verschleiert vor allem die Materialität des Pappmachés, doch geschieht dies auf eine gebrochene Weise, die den darin enthaltenen Vorgang von Täuschung und Enttäuschung in sehr gegenwärtiger, das heißt konzeptioneller Weise mit einkalkuliert. So wird in diesem Zusammenhang kommuniziert, dass es sich bei dem Pappmaché um kein gewöhnliches Material handelt, sondern es aus dem Schreddern von kunstkritischen Texten gewonnen wurde. Wolfgang Flad recycelt das Denken und Schreiben über Kunst, indem er es als konkretes Material seinen Kunstwerken einverleibt! Wenn man will, kann man darin eine gehörige Portion Humor erkennen, doch bei genauerem Nachdenken lässt sich diese Materialsetzung auch als Kommentar auf die retrospektive Haltung lesen, von der aus sich Wolfgang Flad als Nachgeborener auf die abstrakte Formenwelt der 1950er und 1960er Jahre bezieht und zu der er sich offen bekennt. Das Textmaterial zieht in diesem Sinne eine Vermittlungsebene zur Moderne ein, deren Aneignung in Form einer Neo-Moderne sich nicht bruchlos bewältigen lässt. Als eigenständige Cover-Version spielt Wolfgang Flad bewusst mit einem doppelbödigen Anschein, dessen Entzauberung Teil des Programms ist. So ist auch die knöchrige Struktur von Flads Skulpturen zu verstehen, die der Künstler selbst als „abgenagte Skelette“ beschreibt, gleichsam als Abglanz der satten Fleischlichkeit einer frühen organischen Abstraktion, wie sie beispielsweise in Werken von Hans Arp zu finden ist. Flads Skulpturen erheben sich auf diese Weise im morbiden Pathos, fragil und schutzlos, gegen die Macht der Geschichte.

Wolfgang Flads neue Serie von Bronzegüssen schreibt diese Lesart in einer weiteren Volte fort. Sie sind durch Abformungen der Originale aus Holz und Pappmaché entstanden und besitzen dadurch den ontologischen Status von Kopien, die die oben beschriebenen konzeptionellen Brechungen noch in Form einer Spur, gleichsam als Gefäß, bewahren. Doch zudem ist in ihnen der Gestus einer Rückführung in das ursprüngliche bzw. eigentliche Material enthalten, aus dem die überwiegende Anzahl moderner Skulpturen überliefert ist. Die Gegenwärtigkeit von Flads Werken beweist sich nicht zuletzt durch den akzentvollen Einsatz farbiger Flächen auf dem Gussmaterial, zum Teil auch als schimmernden Spraylack, was als kalkulierter Tabubruch gewertet werden kann.

Ähnliche Täuschungs- und Versetzungsstrukturen sind auch bei Wolfgang Flads Wandarbeiten zu beobachten. Noch während seines Studiums der Malerei an der Kunstakademie Stuttgart gelangte er zu dem Verfahren, mehrfach lackierte Schichtholzplatten mit Bohrer und Fräse punktuell so zu bearbeiten, dass die Materialeinbrüche wie ein gestisches Farbdripping aussehen. Die inszenierte Bewegungsdynamik ist das Produkt eines sehr beherrschten handwerklichen Transformationsprozesses, der den scheinbar freien Fluss der Farbe in die Beständigkeit industriell vorgefertigter Materialien überführt. Dieses bis heute angewendete Verfahren nimmt Anleihen bei Daniele Buettis perforierten Fotografien, bei dem Flad lange als freier Assistent arbeitete. In einer aktuellen Serie von Aluminiumreliefs entwickelte Flad das formale Konzept der Wandarbeiten weiter. Auch diese erinnern auf den ersten Blick an Farbspritzer, wie sie sich als Malakt auf einer Leinwand abzeichnen würden, doch entstehen sie diesmal durch Verätzungen auf Styroporblöcken, die der Künstler im Unikat-Verfahren der „Verlorenen Form“ dann in Aluminium abgießen lässt und schließlich durch Polieren farblich nuanciert.

Wolfgang Flads Werk hebt mit den Mitteln des Zitats und der ironischen Distanz ein Formproblem auf, das in der Überschrift dieses Beitrags eingelagert ist. Dabei handelt es sich um die biologistische Wendung des Ausspruchs „Panta rhei“, der auf den vorsokratischen Philosophen Heraklit zurückgeführt wird und so viel bedeutet wie „Alles fließt“ im Hinblick auf die Vorstellung einer ewigen Wandlung des Seins.

Das was als festgefügte Form erscheint, wie etwa die Serpentinen eines Flusses, unterliegt einer inneren Dynamik, die in diesem Fall das Gewässer in stetiger Weise austauscht, weshalb man, so eine andere berühmte Heraklit-Sentenz, niemals zweimal in denselben Fluss steigen könne. Als Thema der Bildhauerei geht es bei diesen Fragen um den ureigenen Widerspruch zwischen der Beständigkeit des plastischen Materials und sein Verhältnis zur Flüchtigkeit und letztlichen Ungreifbarkeit des Lebendigen. Die Wachstumsmotive bei Flads Werken in der Tradition der organischen Abstraktion behaupten sich ohne Zweifel als Formen im Raum, doch darüber hinaus sind sie Katalysatoren eines durchaus vertrackten konzeptionellen Spiels, das sich allein Kopf abspielt und als Bewegung des Denkens die plastischen Körper animistisch überformt.

Marc Wellmann, 2013