Gustave Le Gray (1820-1884), der sicherlich bedeutendste Landschaftsfotograf des Second Empire, hatte eigentlich Malerei studiert. Zu einer Zeit, in der das noch junge Medium Fotografie vor allem als wissenschaftliche Aufnahmetechnik gesehen wurde, hörte er aber nie auf, sich als Künstler zu verstehen. Dank seiner Erfindungskraft und seines Talentes gelang es ihm, die technischen Beschränkungen zu überlisten, ja über sie hinaus zu gehen. Die aussergewöhnliche Kraft seiner Lichtbilder liegt darin, dass sie in andere Ebenen ragen als die der einfachen, getreuen Abbildung der Welt: Vielmehr geht es um die visuelle Übersetzung eines Gefühls gegenüber dieser Welt. Dieses Phänomen kulminiert in seinen Meereslandschaften („Marines“): Bildkompositionen aus Linien, Licht und Kontrasten, die aus zwei separat voneinander belichteten Negativen bestehen – eins für den Himmel und eins für das Meer, welche wiederum zusammen als ein Bild abgezogen wurden. So diente aus künstlerischem Bewusstsein dieser geniale „Montage-Trick“ der Entstehung erhabenster Meeresansichten…

Die neue Ausstellung von Elger Esser in der Van der Grinten Galerie besteht aus vierzehn, noch nie gezeigten und spezifisch als Hommage an Gustave Le Gray entstandenen Meereslandschaften. In seinem seit Mitte der 90er Jahre entstehenden Werkkorpus aus fotografierten Landschaften überführt Esser das Gesehene ineine zeitliche und imaginäre Dimension, die der Gegenwart bewusst, jedoch zugleich enthoben ist. Durch die Konzentration der Komposition auf wenigen Bildelementen, und vor allem durch die stark reduzierte Farbigkeit bildet Esser keine bestimmte Landschaft mehr ab: Es entsteht das Bild einer Idee von Landschaft, welche den Betrachter emotional bewegt. In ihren subtilen Nuancen von Tonwerten und im Spiel mit dem metallischen Klang des Untergrunds transportieren seine jüngsten, auf versilberten Kupferplatten gebrachten Aufnahmen diesen abstrakten Gedanken weiter. Seine Bilder sind nicht narrativ im Sinne, dass sie eine Geschichte erzählen, sondern sie beschreiben eine Geschichte: die der Essenz der Dinge, die uns mit der Zeit vor und nach unserer Zeit verbindet und die wie ein Echo im tiefen Inneren anrührt.

Anders als bei Le Gray ist Elger Esser ein Fotograf, der zum Maler geworden ist. Und wie bei den Pionieren des XIX. und XX. Jahrhunderts ist er stets auf der Suche nach neuen Möglichkeiten, sein künstlerisches Feld zu erweitern und bereichern. Dafür beschäftigt er sich immer wieder mit der Geschichte des Bildes – seines Entstehens und seiner Beschaffenheit, ob in der Fotografie oder in der Malerei – und, setzt sich besonders mit den Meistern der ersten, wahren Moderne in Beziehung: Proust, Flaubert, Huysmans, Maupassant, Corot, die Barbizon Schule, Monet, Le Gray… Mit diesen sehr eigenen Referenzen, die seine persönliche biografische Verbindung zu Frankreich begleiten und nähren, und mit der stringenten Fortsetzung seines künstlerischen Stoffs vertritt Esser zweifelsohne eine einzigartige, starke Position in der künstlerischen Gegenwartsfotografie.

Wir freuen uns, die jüngsten Arbeiten von Elger Esser in seiner ersten Einzelausstellung in der Van der Grinten Galerie zu zeigen. Elger Esser ist Vertreter der sogenannten Düsseldorfer Fotoschule, und angesichts der ausgesprochenen Schönheit und emotionalen Wirkung seiner Arbeiten scheint zu verwundern, wie einflussreich der konzeptuelle Ansatz seiner Lehrer Bernd und Hilla Becher sich in Elger Essers Werk fortschreibt. Aber hier wie da geht es um die konsequente Beschäftigung mit den Möglichkeiten des fotografischen Bildes im Kontext der bildenden Kunst. Das heißt: auf einer Ebene, die alles Belanglose und Oberflächliche hinter sich lässt, indem das zwiespältige Wesen der Fotografie zum Thema und Ausgangspunkt wird.

Essers bevorzugtes Sujet in der bildnerischen und intellektuellen Auseinandersetzung ist die Landschaft (auch Meereslandschaften), jenen Orten, an denen das Auge nicht fähig ist, die Grenzen wahrzunehmen, und Dinge und Ereignisse scheinbar unendlich wirken, vom Betrachter „weitergedacht“ werden und damit die selbe Wirkung hervorbringen, als seien sie wirklich. Obwohl diese Orte, die Esser bei seinen zahlreichen Reisen entdeckt und erkundet, Orte der Gegenwart sind, arbeitet er in ihnen ihre Unzeitlichkeit heraus, vor allen Dingen in der sensiblen Reduktion der Farbigkeit und dem Einsetzen verschiedener, zum Teil historischer Wiedergabe-Techniken. Es ist als Erweiterung der Proust’schen Idee nicht nur die Suche nach der verlorenen Zeit, sondern auch die nach dem verlorenen Ort, ein Auslöser unbewussten Erinnerns.

In seinen jüngsten Arbeiten, die im Norden Frankreichs entstanden sind, verwendet Elger Esser als Träger des Bildes versilberte Kupferplatten, ein Material, das bereits der Barockmalers Adam Elsheimer bevorzugte, da die vollkommen glatte Oberfläche einen hauchdünnen Malauftrag erlaubte und die Ölfarbe so um das Schimmern und Leuchten des Untergrundes bereicherte. Im Gegensatz zu den früheren Arbeiten Essers ist hier die Leuchtkraft der Farben extrem, und im Reflex unterschiedlicher Lichtverhältnisse wirken sie räumlich und in der Tiefe unendlich.

Zeit und Ort als Koordinaten exakter Wiedergabe erscheinen bei Esser relativ. Er unterläuft die Vorstellung der präzisen Momentaufnahme, wie sie für die Fotografie ein Wesensmerkmal ist.

Elger Esser wurde 1967 in Stuttgart geboren und wuchs in Rom auf. Er studierte von 1991 bis 1997 bei Bernd Becher an der Kunstakademie Düsseldorf.

Arbeiten von Elger Esser sind u.a. in folgenden Museumssammlungen vertreten: Solomon R. Guggenheim Museum New York, Metropolitan Museum of Art New York, Stedelijk Museum Amsterdam, Stiftung Museum Kunstpalast Düsseldorf, Kunsthaus Zürich, Centre Pompidou Paris, Städtische Galerie im Lenbachhaus München, Kunstmuseum Stuttgart, DZ Bank Kunstsammlung Frankfurt/M.