WALD, group show with works by Simon Schubert, Christoph Knecht, Elger Esser, Ruth Marten, Cosima Hawemann, Gábor Ösz, Rebecca Stevenson, Bernd Halbherr

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    Der Wald als mythologische Stätte der Grenzerfahrung, als Sehnsuchtsort, als lebenserhaltendes System durchdringt seit Jahrtausenden unser Bewusstsein und spiegelt sich in den Künsten wider. Aktuell sorgen die jüngsten Forschungen über das „geheime Leben“ der Bäume, ihre Sprache und ihre sozialen Strategien für Furore und können unseren Umgang mit ihnen neu definieren helfen. Auf dem Weg dorthin galt schon bei Joseph Beuys die Devise „Stadtverwaldung“ statt „Stadtverwaltung“, wo der Baum selber zum Träger der Idee wird. 

Bei der Zusammenstellung aktueller Arbeiten unserer Künstler und Künstlerfreunde für die Ausstellung „WALD“ reizten uns die unterschiedlichen Berührungspunkte, die das Motiv aufgreifen oder reflektieren. Gleichzeitig war der Blick auf einen Gesamtklang gerichtet, bei dem jedes einzelne Werk in Spannung mit den anderen treten kann. So begegnet dem Besucher das Motiv des Waldes mal träumerisch-märchenhaft, mal beunruhigend, mal idyllisch und sehnsuchtsvoll, mal surreal aufgeladen.

    Cosima Hawemann (Köln, *1971) hat eine ganz neue Serie kleinformatiger Übermalungen speziell für die Ausstellung begonnen, die Farbnegative zur Grundlage haben, deren befremdliche Farbigkeit malerisch übersteigert wird. So entstehen fesselnde und raffinierte Kabinettstücke von unheimlicher Dichte.

Im gleichen Maße anziehend sind die jüngsten Foto-Unikate von Elger Esser (Düsseldorf, *1967), von denen wir die Arbeit „Indre" von 2016 dank der Kooperation mit dem Künstler in der Ausstellung zeigen können. Die auf eine versilberte Kupferplatte prigmentgeprintete Fotografie zeigt einen Wald als Sehnsuchtsort, einen Spiegel im doppelten Sinne. Einmal spiegeln sich die Stämme in der Wasserfläche, in der sie wurzeln, zum anderen die nicht enden wollenden Erinnerungen des Betrachters im Bildmotiv selbst.

 Die lebensgroße Skulptur „Tür“ von Simon Schubert (Köln, *1976) bildet das Zentrum des dritten Ausstellungsraums. Sie entstand 2012 für die Einzelausstellung im Städtischen Museum Villa Zanders und wird nun erstmalig im Galeriekontext gezeigt. Die kassettierte Zarge eines Durchgangs ist quasi nach außen verkehrt und an beiden Seiten durch Türen verschlossen. Durch einen Spion in jeder Türe kann der Betrachter wie ein Voyeur ins Innere des „Raumes“ blicken, wo sich sein Auge in einem dichten Wald verliert. Die „Tür“ ist gleichzeitig die erste Arbeit Schuberts, bei der das Material Grafit zum Einsatz kam. Insofern korrespondiert sie mit seiner jüngsten Arbeit, einem Wandrelief mit Grafitoberfläche, das für die Ausstellung entstanden ist.

Bei den Arbeiten von Bernd Halbherr (Seoul, *1964) ist der Einsatz von Fotografie konzeptuell. Er überträgt das Bild eines Innen-oder Außenraumes auf die Oberfläche einer Kugel, so als sei die gesamte Information über den Ort in einem Fixpunkt gebündelt. Beim Betrachten dieser Fotoskulpturen empfindet man das, was man sieht, gleichzeitig als das, was einen gedanklich umgibt. 

Auch die drei Zeichnungen von Ruth Marten (New York, *1949) sind die neuesten Arbeiten der Künstlerin, die sich dem Thema Wald gewohnt subversiv und vielschichtig widmet. Jedoch ist bei diesen Arbeiten der Anteil des vorgefundenen Materials gering zugunsten einer sich in wilde Dichte steigernden Zeichen-und Aquarellkunst. Wald und Baum sind Symbol, verschlüsselte Botschaft, hintergründiger Gedanke. 

Christoph Knecht (Düsseldorf, *1983) ist mit zwei großformatigen neuen Gemälden und einer kleinformatigen früheren Arbeit, aus denen sich die faszinierende künstlerische Entwicklung des noch sehr jungen Künstlers ablesen lässt, vertreten. Knecht scheint ständig angeregt von Erscheinungen, Phänomenen und Zeugnissen unserer und fremder Kulturgeschichte, die in seinen Arbeiten fortwährende Transformationsprozesse erzeugen, zu sein. 

Bei Izima Kaoru (Tokyo, *1954) steht ein mächtiger Baum im Zentrum der Foto-Serie „Landscapes with a Corpse“ No. 35. Seine mächtigen Äste tragen den leblosen Frauenkörper fast liebevoll. Der Wald drumherum ist vollständig im Nebel verschwunden, seinerseits undurchdringlich wie ein Wald, der aber unsichtbar bleibt. 

Am stärksten konzeptuell ist die Videoarbeit „Blow-Up“ von 2010 des Ungarn Gábor Ösz (Amsterdam, *1962), in der mit analogen, malerischen Mitteln eine erstaunliche Aufgabe zur Farbphysik und Wahrnehmung gestellt wird.

Rebecca Stevenson (London, *1971) schließlich zeigt eine ihrer barocken Wachs-und Polyesterskulpturen, „Bacchanale“, 2015, einen Eberkopf, der makaber-appetitlich aus Beeren und Blüten herauswächst und der Schönheit im Tier-und Pflanzenreich huldigt.

English press release 
 

   The forest [in German: “Wald”] is a mythological place of borderline experiences, one of longing: a life-sustaining system that has for thousands of years permeated our consciousness and been reflected in the arts. Currently, the most recent studies on the “secret life” of trees, their language and their social strategies have raised a furor and helped to redefine our treatment of them. Following this path, Joseph Beuys had, early on, established the name of the game as “Stadtverwaldung” instead of “Stadtverwaltung” [urban reforesting instead of urban supervision], where the tree itself (re)presents the idea. 

In putting together current works of our artists and art friends for this exhibition “WALD”, we were inspired by the different reference points that take up and reflect this motif. At the same time, our intent was focused on an overall resonance in which each single work could fit in with the concept of the others. Thus the visitor encounters the theme of the forest at times as a dreamlike fairytale, at times as an unnerving or surreal experience, at times as a longed-for and supercharged idyll.

Cosima Hawemann (Cologne, *1971) has begun a brand new series of small-sized overpaintings specifically for this exhibition, color negatives entitled “A Forest” based on The Cure’s music piece of the same name, with coloring that escalates and disconcerts. In this way she realized captivating and artful showpieces of incredible magnitude. 

The most recent photo-unicums by Elger Esser (Düsseldorf, *1967) are to the same degree engaging, among which we are able to show his 2016 work “Indre”, thanks to the artist’s cooperation. The silver-plated copper plate of the pigment-printed photograph shows a forest as a nostalgic location, a mirror in a double sense. On the one hand, the trunks are reflected in the water in which they are rooted, on the other, the viewer’s never-ending memories are mirrored in the photo’s theme itself.

The life-size sculpture “Tür” (Door) by Simon Schubert (Cologne, *1967) forms the center of the third exhibition room. He created it in 2012 for his solo exhibit at the Städtisches Museum Villa Zanders, which will now be shown for the first time in a gallery context. The panelled framework of a passageway is quasi turned inside out and, on both sides, closed off by doors. Through a peephole in each door the viewer, like a voyeur, can gaze into the “room”, where his eye becomes lost in a thick forest. At the same time, the “Tür” is the first work that Schubert did using graphite as his material. Thus it corresponds with his most recent work, a wall relief of a plaster cast with a graphite finish that he produced for the exhibition.  

In the works by Bernd Halbherr (Seoul, *1964), photography has been deployed conceptually. He transmits the image of an inside-or-outside space onto the surface of a sphere, as though all the information about the location is packed onto one point of reference. In looking at these photo sculptures, you feel that what you are looking at is simultaneously that which inhabits you mentally.

Also the three drawings by Ruth Marten (New York, *1949) are this artist’s latest work, which is devoted to the subject of woods in a subversive and multilayered way. The portion of found material in these works is slight, highlighting a thick wilderness of drawing and watercolor art. Forest and tree are symbols, coded messages, cryptic thoughts.

Christoph Knecht (Düsseldorf, *1983 is represented with two new, large-scale paintings and a smaller early work, from which the fascinating artistic development of this still very young artist can be read. Knecht seems to be constantly stimulated by manifestations, phenomena and witnesses of our own and alien cultural histories, which generate continual transformation processes in his works.

At the center of the photo series by Izima Kaoru (Tokyo, *1954), a mighty tree stands, entitled “Landscapes with A Corpse” no. 35. Its powerful boughs bear a woman’s lifeless body almost lovingly. The surrounding woods have completely vanished in the fog, for its part as impenetrable as a forest that yet remains invisible. 

The video work “Blow-Up” by the Hungarian Gábor Ösz (Amsterdam, *1962), is the most powerfully conceptual, in which, via analog and painterly means, an amazing exercise in color physics and perception is assigned. 

To conclude, Rebecca Stevenson (London, *1971) shows her Baroque wax and polyester sculptures, “Bacchanale”, 2015: a boar’s head that has grown, appetizingly macabre, out of berries and flowers, paying homage to the animal and plant world.

 

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